心得体会是对个人成长和经验积累的回顾和总结，是我们成长路上宝贵的财富。接下来是一些关于心得体会的范文案例，供大家参考和学习。

声乐的心得体会

声乐是一门综合性很强的艺术形式，通过音乐与声音的交融，传达出内心深处的情感和意境。在学习声乐的过程中，我深深感受到了它的美妙和独特之处。通过练习和表演，我不仅对音乐和声音有了更深的认识，也提高了自己的表演技巧和表达能力。接下来，我将分享我在声乐学习中的心得和体会，希望能够感染到更多的人。

在声乐学习的一开始，我参加了一些基础的声乐课程，学习唱歌的基本技巧，例如呼吸、发声和发音等。通过这些课程，我逐渐发现了声乐的魅力，它可以通过音乐和声音表达出各种情感和意义。在练习呼吸时，我意识到了深呼吸对于声音的质量和稳定性的重要性，这让我更加关注自己的身体状态和呼吸的流畅程度。此外，声乐的发声技巧也需要反复琢磨和练习，我学会了如何用腹部肌肉来控制声音的力度和音质，逐渐熟悉了各个声区的转换和连接。

除了基本技巧的学习，我更享受练习和表演的过程。在练习时，我会寻找适合自己的歌曲，并用自己的声音和情感来诠释其中的内涵。每首歌曲都是一个故事，通过音乐的旋律和歌词的表达，我可以尽情地表达自己的情感和思想。在处理高潮部分时，我会用高亢的声音传达出激情和力量；而在抒情部分，我会选择柔和而细腻的音色来让听众感受到情感的温暖和柔情。在练习的过程中，我也会反复地审视自己的表演，尝试不同的方式来表达同一首歌曲，以期找到最适合自己的方式来表达。

然而，声乐并不仅仅只是技巧和情感的结合，更需要学习者具备自信、细腻和耐心等素养。每一次表演都是对自己的一次挑战，需要充满自信地站在舞台上面对观众。尤其是在面对不同的观众和场合时，要有足够的适应能力和灵活性，根据场合的需要来调整自己的表演和演唱方式。此外，细腻的情感表达也是声乐学习中需要培养的重点之一。通过对歌曲的理解和体验，要能够将其中的情感转化为声音，让观众感受到歌曲深处的悲喜交融。耐心也是一个不可或缺的品质，声乐需要反复的训练和练习，而其中的困难和挫折都需要耐心和坚持来克服。

最后，声乐的学习和表演不仅只是自我欣赏和表达，更是与他人分享和交流的方式。通过参加学校和社区的音乐晚会，我有机会与其他声乐爱好者一起合作演出，与观众们一起分享音乐和情感。在合唱团的表演中，我学会了与他人协作，听从指挥和与他人的声音融为一体。在个人的演出中，我也能感受到观众们的喜爱和认可，这不仅是对我音乐能力的肯定，更是对我努力的一种回报。与他人分享音乐，不仅可以丰富我的人生，也可以给他人带来快乐和感动。

总结起来，声乐学习是一项充满挑战和乐趣的过程。通过练习和表演，我不仅提高了自己的声乐技巧和表演能力，也获得了更深的音乐和情感体验。在声乐学习中，我明白了练习的重要性，以及自信、细腻和耐心等素养的培养。最重要的是，声乐学习也是与他人分享和交流的方式，让我感受到音乐的力量和美好。声乐是一门值得学习和追求的艺术形式，我希望能够继续努力，不断提升自己，在音乐的世界中找到更多的愉悦和满足。

声乐的心得体会范文

音乐是一种美妙的艺术形式，它能够通过声音传达出无数的情感和意境。作为一种表达自我的方式，声乐让人们可以用自己的声音去演绎多种多样的音乐作品。对我而言，学习声乐不仅是为了培养自己的音乐素养，更是为了从中汲取力量并表达自己的情感。通过学习声乐，我体会到了音乐的独特魅力，也更加深刻地理解了音乐对人的影响力。

第二段：艰辛的训练与坚持。

声乐学习并不是一件容易的事情，需要付出大量的努力和时间。要完美地演唱一首歌曲，需要从声音的基本功开始，如气息控制、音准训练等，再到对歌曲的情感表达和表演技巧的练习。这一过程需要不断地重复和磨砺，只有不断地坚持下去，才能够取得进步。而正是这种艰辛的训练和坚持，让我明白了成功的背后不仅仅需要天赋，更需要不断地努力和付出。

第三段：发现自我与释放情感。

声乐让我发现了我自身的潜能和个性。每次站在舞台上，我都能够忘记一切烦恼和压力，只专注于音乐，释放内心的情感。在演唱过程中，我可以真实地表达自己的情感，通过歌声传达给听众。那种被舞台包围、与观众进行无声的沟通的感觉，能够给予我极大的满足感和成就感。我相信，只要坚持下去，不断地推进自我，我一定能在声乐中找到自己的归属。

第四段：自信与成长。

声乐的学习不仅仅提高了我的音乐能力，也培养了我的自信心。在刚开始学习声乐的时候，我常常因为自己的音准不准、音色不好而感到沮丧和自卑。然而，通过不断的训练和努力，我逐渐克服了这些问题，提高了自己的演唱水平。我发现，自信心是一个人成功的重要因素之一，只有相信自己能够做到，才能够真正地突破自我。正是声乐的学习让我更加自信，也让我在其他方面的人生中更加勇敢地面对挑战。

第五段：共同的乐章。

无论是独唱还是合唱，声乐总能够将众人的心紧密地联系在一起。在合唱团中，我们需要互相配合，共同合奏一支动听的乐曲。这种合作和协调不仅仅培养了我与他人的团队合作意识，也让我体会到了战胜困难的喜悦。通过与他人一起演唱，我学会了沟通和包容，也在其中结交了很多志同道合的好友。无论在舞台上还是平凡的生活中，我们都能够感受到音乐带给我们的力量和幸福。

总结：声乐的学习是一段困难而充实的旅程，通过音乐的艺术形式，我们能够不断地发现自己、展示自我，并与他人建立深厚的情感联系。在这个过程中，我们也能够获得自信与成长，通过合作与协调，共同演绎出一支优美的乐章。声乐不仅仅是一种技能，更是一种心灵的寄托与表达。通过声乐的学习，我们能够感受到音乐的魅力，并从中汲取力量，让自己的声音在音乐的世界中闪耀。

学习声乐的心得体会作文

学习声乐这一门艺术形式，是一种能够陶冶情操、提高修养的重要途径。通过长时间的学习和演唱，我深深地认识到了声乐的魅力和独特之处。在这个过程中，我积累了许多宝贵的经验和心得，今天我想分享我的体会。

首先，学习声乐需要具备坚定的意志和耐心。声乐并非一朝一夕的技巧，而是需要长时间的坚持和精心的培养。在我刚开始学习声乐的时候，常常遇到了各种难题，嗓音不准确、音区转换困难等等。但是我没有灰心，而是坚持不懈地练习，并找到了适合自己的方法来克服这些困难。通过坚持不懈的努力，我逐渐提升了自己的唱功，也获得了更大的满足感。

其次，学习声乐需要注重技巧的培养。声乐并不是简单的发声，而是需要掌握一系列的技巧，如正确的呼吸方法、准确的发音、合理的音调掌控等。在日常学习中，我会选择一首合适的曲目进行练习，并通过不断地反复演唱来熟悉这些技巧。同时，我还会向专业的声乐老师请教，通过他们的指导来不断完善自己的技巧。只有不断地学习和磨练，才能真正成为一个出色的声乐演唱者。

此外，学习声乐还需要具备良好的音乐素养。声乐是一种高雅的艺术形式，它需要音乐素养的支撑。我会经常听一些优秀的歌唱家演唱，学习他们的演唱技巧和表演风格，并尽可能多地了解各种音乐作品。这不仅能够提高我的演唱水平，还能够开拓我的音乐视野和审美能力。在日常学习中，我也会尝试演唱不同类型的曲目，从而增加自己的音乐素养。

最后，学习声乐需要具备良好的表演能力。声乐是一种表演艺术，好的歌唱不仅需要准确的音准和演唱技巧，还需要具备表演的能力。在日常学习中，我会注重自己的舞台表演和情感表达能力的培养。我会不断地练习各种舞台表演动作和面部表情，并尽量将自己的情感融入到演唱中去。通过这样的练习，我发现自己的舞台表现逐渐得到了改善，也更加能够打动观众的心灵。

总之，学习声乐是一种充实而有趣的过程。通过坚持不懈的努力、注重技巧的培养、良好的音乐素养和表演能力的提高，我逐渐成为了一个合格的声乐演唱者。在这个过程中，我也收获了很多的欢乐和满足感。希望未来能够继续不断地学习和进步，成为更加出色的声乐演唱者。

声乐的体会和心得体会

音乐是我们生命中不可或缺的一部分，它可以传达情感，激励我们在生活中前进，而声乐则是音乐的精髓。作为声乐爱好者，我曾几次在演出中体会到了声乐的魅力，其中的磨练和收获更是一生难忘。

第二段：发现自己的音乐天赋。

小时候我对声乐并没有太大的兴趣，只是在学校合唱团中有过一些基础的训练。后来我进入了大学，在一次文艺节目中，我意外地被选为了代表去参加全国大学生声乐比赛的选拔赛。在老师的指导下，我开始专注地练习，亲身体会到了声乐的魅力。我发现自己的音乐天赋，也逐渐培养出了深远的兴趣。

第三段：训练与提高。

想要成为一个优秀的声乐者，必须坚持长时间的训练。我花费了很多时间去深化自己的发声技巧和演唱技能。我每天都会练习喉咙的发声和舌头的灵活性，记录自己的进步，并及时向老师请教。在大量的实践中，我不断突破自己，提高了自己的水平。

第四段：音乐表现力的提高。

好的声乐表现力不仅仅是发声技巧，更要到达内在情感的爆发。唱歌是需要情感投入的，只有沉浸到音乐的感觉中，才能让唱功优秀的声乐者能够在歌曲中更好地表现角色性格和情感。我通过吸收大量的音乐作品，试图从中领会到不同歌曲情感切入点，尝试将这些情感表达到歌唱中去。随着训练的深入，我能够更加自然地掌握音乐中的情感。

第五段：结语。

声乐的训练需要大量的时间和精力，在这个过程中，人们能够学到更多的东西和发掘出自己的闪光点。除此之外，声乐也让我们更加深入思考到人生的意义。当我们用歌声为他人传递情感时，也许能够激励对方或唤起他们内心的一些东西，这也是我们志愿投入声乐的原因。我希望自己能够一直坚持下去，不断唱出更好的歌声，让自己也能够与更多的人分享这种美妙的体验。

声乐的心得体会总结

声乐是一门需要用声音表达情感的艺术形式。通过唱歌，我们能够传达自己的情感和思想，与观众产生共鸣。在这几年的学习和实践中，我逐渐体会到了声乐的魅力和要求。在这篇文章中，我将会总结我对声乐的心得体会。

首先，声乐需要良好的声音基础。声音是声乐的基本要素，只有有一个好的声音基础，才能够进行更深入的表达。在学习声乐的过程中，我经历了改善呼吸技巧、调节共鸣等许多训练，以提高自己的声音品质。通过这些训练，我意识到声音的魅力不仅仅在于其音准的准确度，更在于其富有个性和表达力。为了获得更好的声音，我努力学习和练习，注重每一个细节，不断改进自己。

其次，声乐要求情感的真实表达。唱歌不仅仅是技巧的展示，更是把情感传递给听众的过程。在我学唱每一首歌的时候，我会思考歌曲背后的故事和情感，然后尽力以自己的方式表达出来。唱歌可以是一种心灵的宣泄和情感的释放，只有真实的情感表达才能够引起观众的共鸣。通过声乐的学习，我学会了如何用声音来表达情感，如何让观众感受到我的内心。

第三，声乐需要坚持和耐心。声乐并不是一蹴而就的事情，需要付出大量的时间和努力。在声乐的学习中，我经常面对声音不稳定、技巧不够熟练等问题，但是我始终坚持下来。通过坚持练习，我逐渐突破了自己的局限，取得了一定的进步。同时，我也意识到声乐是一个需要耐心的过程，没有捷径可走。只有持之以恒地练习，才能够获得进步和提高。

第四，声乐需要团队合作。声乐常常是与其他音乐家一起演出，比如与钢琴伴奏、管弦乐队合作。在合作的过程中，我发现团队合作是至关重要的。与伴奏者之间的和谐合作和默契，可以给观众带来更好的美妙体验。在与其他音乐家一起排练和演出的过程中，我不断学习如何与他人进行合作，互相倾听和交流，以达到更好的演出效果。

最后，声乐需要不断学习和提高。声乐是一门深奥的艺术，没有止境的学习和提高。在学习声乐的过程中，我发现自己还有很多不足之处，需要继续学习和提高。因此，我积极参加各种培训课程和演出，在老师和其他音乐家的指导下不断努力。我深信只有不断学习和提高，才能够成为一个更好的歌手。

综上所述，声乐是一门需要用声音表达情感的艺术形式。在学习和实践中，我逐渐体会到声乐的魅力和要求。声乐需要良好的声音基础、真实的情感表达、坚持和耐心、团队合作以及不断学习和提高。通过不断的努力和实践，我相信我能够成为一个更好的歌手，用音乐传递我的心声。

学习声乐的心得体会作文

声乐是一门美妙而深具艺术性的学科，通过声音的表达和演绎，它能够给人们带来无穷的快乐和感动。作为一位声乐爱好者，我有幸能够参与声乐的学习和训练。在这一过程中，我不仅收获了技巧和知识，更体会到了声乐所带来的深层次的情感和灵魂的触动，这对我的人生有着深远的影响。下面我将和大家分享一下我在学习声乐过程中的心得体会。

首先，在学习声乐的过程中，我明白了声乐的基本要素。声乐不仅仅是简单的发声，更多的是要掌握音准、节奏、气息控制等技巧。这些要素对于形成优美的歌唱声音至关重要。我通过学习和练习，不断地去探索发声的正确方式，熟悉各类声音的产生和表达方法。只有深入理解和运用这些基本要素，才能够通过声乐真正将内心的情感传递给听众。

其次，在声乐的学习过程中，自我调整和提升是十分重要的。声乐不仅仅要求我们有优美的嗓音，更需要我们具备良好的音乐素养和情感表达能力。所以，要想在声乐方面取得进步，就必须不断地锻炼自己的技巧和能力，并且保持积极的心态。例如，我会有意识地去修改和优化自己的发声技巧，持久地进行演唱训练，提高自己的音高和音色。此外，我还会参加各种比赛和演出，通过与他人的交流和比拼，不断地找到自己的不足之处并加以改进。

再次，我意识到声乐训练是一项需要时间和耐心的事情。声乐的学习不可能一蹴而就，它需要我们耐心地进行长期的训练和锻炼。在学习的旅程中，我曾多次遇到困难和挫折，甚至有时会对自己的进展感到失望。然而，我深知只有坚持下去才会有所收获。所以，我不断鼓励自己，咬牙坚持，认真投入学习，并且相信自己的能力。慢慢地，我逐渐体验到了声乐在我自身的转变和提升，这更加坚定了我学习声乐的信念。

最后，学习声乐给了我更多的是内心的满足和快乐。通过声乐的表达，我能够将内心的情感传达给他人，也可以找到自己情感诉说的出口。无论是欢乐还是悲伤，每一次演唱都使我感觉到自己与音乐相融合，内心得到了释放和满足。在舞台上的那一刹那，我感受到了观众的掌声和喝彩，知道自己的努力是值得的。无论是独唱还是合唱，我都会全情投入，享受那份与音乐共舞的喜悦和感动。

总之，学习声乐不仅仅是一门技能，更是一种修养和认知。通过声乐的学习，我懂得了如何正确发声，也培养了自己的音乐素养和情感表达能力。在这个过程中，我遇到过困难和挫折，但是通过不断的努力和坚持，我获得了技巧的提升和内心的满足。声乐给了我很多，让我更加热爱生活，感受到音乐的美妙和力量。我相信，声乐会一直陪伴着我成长，并成为我一生的追求和梦想。

声乐的心得体会

声乐作为一门综合性的艺术门类，吸引着广大音乐爱好者的关注。在我学习声乐的这段时间里，我深深感受到了声乐艺术的独特魅力，并从中得到了不少心得体会。下面我将从声乐的基本技巧、表情和情绪传达、声乐的修身养性、以及与他人合唱的乐趣等方面，进行阐述。

首先，声乐的基本技巧是学习声乐的入门之道。在声乐学习的初期，老师会教授我们一些基本的呼吸、唱法和发声技巧。只有掌握了这些基本技巧，才能使声音更加准确、明亮，并且能够更好地传达歌曲的情感。我的老师常常告诉我，声乐技巧只是学习的起点，更重要的是要能够有创造力地运用这些技巧，使歌唱更有个人特色。

其次，声乐是一门需要表达情感并传达给观众的艺术。当我们唱歌时，要能够准确地表达歌曲中的情感，并用声音将这些情感传达给观众。有时候，技巧再高超，但如果没有情感的融入，歌唱也会显得死板和平淡。因此，我在学习声乐的过程中，注重情感的培养。通过查阅相关资料以及借鉴大师的演唱，我学会了通过细微的音色变化、呼吸的控制等方式，更加准确地表达歌曲中的情感。

声乐的修身养性是我在学习声乐的过程中得到的另一个重要体会。学习声乐需要不断地练习，唱高音、低音和长音都需要身体的支持和控制。在这个过程中，我深深体会到了自律以及耐心的重要性。只有通过坚持不懈的练习，才能提高歌唱的水平，达到自己的理想效果。同时，声乐学习也需要良好的生活习惯，包括合理的饮食、规律的作息等，这些都有助于培养出更好的声音和音乐感。

最后，与他人合唱是声乐带来的另一种乐趣。在合唱团中，我与其他成员一起合作，共同完成一首歌曲。这要求我们相互协调，共同努力，以达到和声的完美结合。与他人合唱不仅增加了声音的厚度，还能够增加音乐的层次感。合唱过程中的互动和合作，也使我收获了友谊和快乐。

总的来说，学习声乐是一项不容易的任务，但通过学习声乐，我获得了很多收获和体会。掌握声乐的基本技巧，能够准确地表达情感，声乐的修身养性以及与他人合唱的乐趣，这些都是我在学习声乐的过程中领悟到的重要内容。声乐不仅是一种艺术形式，更是一种表达情感、修身养性和与他人共同创造音乐的方式。通过学习声乐，我们能够更加全面地发展自己，并给生活增添更多的激情和乐趣。

教声乐的心得体会

作为一个声乐教师，我一直觉得自己拥有一份特殊的责任感。我不仅要教授学生歌唱技巧，更重要的是要传递给他们一种音乐的精神。在这个过程中，我充分体会到了教声乐的心得体会，下面我就来详细讲述一下。

第二段：选择合适的教学方法。

教学方法是成功的关键之一。不同的学生有不同的学习方式，因此，对于不同的学生我会选择不同的教学方法。对于初学者，我一般会采取较为简单的歌曲和练习方式。而对于高水平的学生来说，我会引导他们进入更深入的学习中，例如要求其在演唱中注重情感的表达，或者在音乐分析中注重声音的特点。

第三段：关注学生的情感体验。

学唱歌不仅仅是技巧，更是一种情感的传递。作为一名声乐教师，我时刻关注着学生的情感体验。在教学过程中，我会去倾听他们的心声，留给他们更多时间思考与感受音乐的精髓。在我的课堂上，学生们不仅学会了技巧，更体验到了音乐的情感。

第四段：注重鉴赏和理解音乐。

音乐不仅仅只是唱歌，还包含着深刻的哲理和文化。因此，我始终鼓励学生们去鉴赏和理解音乐。我会向学生介绍不同的音乐类型和历史，帮助他们更好地理解音乐的文化。我相信这种学习方式是更加深入地贴近音乐的方法，也是培养学生对音乐的热爱和追求的途径之一。

第五段：结语。

作为一名声乐教师，我深爱着自己的工作。在我的课堂上，每个学生都能尽情地体会到音乐的精髓。我相信，只要我把自己的爱和信仰用心付诸于教学，那么我的学生们也会更好地领悟到音乐的魅力。

声乐的演唱方法

按字义讲，“belcanto”即优美的歌唱,并兼有美丽的歌曲的含义。它不仅是一种发声方法，还代表着一种演唱风格，一种声乐学派，因之通常又可译作美声唱法、美声学派。美声歌唱不同于其他歌唱方法的特点之一，是它采用了比其他唱法的'喉头位置较低的发声方法，因而产生了一种明亮、丰满、松弛、圆润，而又具有一种金属色彩的、富于共鸣的音质；其次是它注重句法连贯，声音灵活，刚柔兼备，以柔为主的演唱风格。

声乐的唱法

民族唱法是以民族语言为基础，嗓音甜、脆、宽、亮为特征，行腔韵味为特色，情、声、字、腔融为一体，并伴以形体表演的一种演唱方法。民族唱法继承和吸取了传统戏曲、曲艺、民歌的演唱精华，借鉴并吸取了美声的科学方法，适合演唱民族创作歌曲及中国歌剧。

通俗唱法，又叫自然唱法或流行唱法，是指演唱通俗歌曲和流行歌曲所运用的表演手段，演唱注重直与平，发声自然、崇尚口语化、对声音偏重“情”。演唱时主要使用中低声区，凭借现代音响设备，常掺用气声、轻声唱法，根据作品内容要求，运用各种舞蹈节律，加入或伴随形体动作，唱、动结合，并善于通过歌唱和听众产生交流。

民族唱法与通俗唱法作为歌唱艺术的演唱方法，在许多方面有着联系和区别。两种方法在其发声、呼吸、共鸣、吐字咬字以及歌曲演唱风格、艺术处理方面有何异同呢？本文拟对民族通俗两种唱法从各个不同角度加以比较分析，便于人们了解它，以期获得更为明确的认识。

（一）呼吸运用的共同性：呼吸是歌唱艺术的基础，深呼吸是发声的动力，是声乐表现的手段之一，在中国古代音乐典籍上早有“气动则发声”“气沉丹田”“善歌者必先调其气”等记载。民族唱法讲究吸气深、存气多、运气足、用气灵活等特点。目前教师多采用美声唱法的呼吸，如闻花感觉和叹气式的呼吸等感觉启发学生将气沉下来，用深呼吸去歌唱。作为声乐演唱方法之一的通俗唱法同样离不开气息的支持，而呼吸乃是关键，是根本。所以，两种唱法在呼吸运用方面是一致的，虽然两种唱法在呼吸运用存在深浅上有所差异，但所达到的目的是相同的。

（二）声音走向的共性：民族唱法要求音色明亮，声音走向普遍较靠前，歌唱时追求亲切、自然、直接，也很讲究高位置，忌“窝”着唱或“包”着唱。通俗唱法同样要求声音明亮靠前，亲切自然，主要用口腔共鸣，发音管短小。

（三）咬字部位的共性：民族唱法发音较靠前，声音反射在硬腭部位，嘴型呈微笑状态，咬字清晰明亮，通俗唱法吐字方法及嘴型与民族方法相同，有时更靠前一些，齿音、唇音较重，强调吐字，因而语言清晰，感情亲切。

（四）作品表演的共性：民族唱法一贯 强调唱曲要唱情，所谓“丝不如竹，竹不如肉”，这就说明了歌唱比其他乐器更能传情达意。动情的歌声“余音绕梁，三日不绝”是对歌者传情的生动描述，这也是民族唱法重在对作品表现的一个主要特点。通俗唱法注重作品情感的表达，为了生动细腻的表达感情，有时可舍弃嗓音，有重情轻声的倾向，因此，感情起伏跌宕，感染力强，舞台表演大方，生动活泼。两种唱法在作品的表现上都注重了一个“情”字。

（五）审美品位的共性：民族唱法和通俗唱法均属于声乐艺术范畴，是一种纯艺术活动，一种自我表达的形式。但在社会主义精神文明的建设中，声乐艺术将影响着人民的精神、道德、情操、是非观念、美丑选择等。因此，两种唱法在声乐表达艺术作品的思想内容上，都应该是积极向上、激人奋进的。在表演形式上，应该是健康多样、优美动听的。任何一首声乐作品都有一定的内容，表现一定的情感，并且和现实生活息息相关。因此，声乐曲目的演唱都必然负有社会的责任，影响观众（听众）审美情感。任何音乐题材的声乐作品，都应在内容形式上提供给观众具有高品位的审美情趣，能陶冶人们的情操，并激励人们积极上进的好作品。这是所有表演艺术都应该共同遵循或努力去做的。通俗唱法亦不例外。

（一）共鸣运用的不同：民族唱法多用局部共鸣，中低声区用真声较多，换声区和高音采用混合声和假声，并形成独有的风格，民族传统的唱法中称头腔共鸣为“脑后音”，胸腔共鸣称为“膛音”。因此混合共鸣作为歌唱发声的原则，它能最有效地发挥各共鸣腔体的作用，发出明亮、饱满、优美的声音，最大限度地开拓音区，使声音统一、自如，具有丰富的表现力和感染力。通俗唱法则不同,它多用真声轻唱为主，口腔共鸣较多，尽力保持自然状态，似朗诵、说话，由于歌唱时借助话筒扩音，不需要强大的共鸣（除少数劲歌外）。

(二）喉位运用的不同：民族唱法讲究声音要流畅，自然上下贯通，这就要求歌唱时要打开喉咙，不能千篇一律的要喉咙开多大，允许上下移动，喉位的`高低或喉咙打开的大小，要根据作品的风格要求去调整。如演唱山歌或某些风格作品时，允许喉位略向上移。通俗唱法男女声以真声为主，喉位普遍偏高，喉咙打开不要求过大，需要形成管状，一切服从歌唱风格的要求，这是两种唱法的不同之处。

（三）语言咬字、吐字方面的不同：民族唱法以民族语言为基础，在歌唱中咬字、吐字十分讲究，强调以字带声，以字传情，其中咬字是行腔的灵魂，咬字是行腔的手法。可见准确、清晰的咬字与吐字是民族唱法的首要条件。明朝魏良辅在《曲律》中已明确阐述：“曲有三绝，字清为一绝，腔纯为二绝。板正为三绝。”即在演唱中虽然经过字头、字腹、字尾的发声、延长与归韵，仍能保持准确的发声与清晰的吐字。也就是说，歌唱的咬字、吐字中字头是很能表现情绪的，着重声母部分的力量，用力要比讲话更集中、夸张一些，使声母的阻气更有分量。如舞剧《白毛女》选段，喜儿哭爹爹中“刹时间天昏地又暗”刹字的字头——声母sha字用力在齿的部位，在咬这个字头时做到喷口有力、结实，特别能表现歌曲中喜儿忽闻爹爹惨死时无比悲愤的情感，犹如抽泣，以表现出那种呼天喊地般的哭喊声。通俗唱法一般音域不宽，讲究吐字清晰“出字、归韵、收声”的咬字、吐字过程，字字清晰，朴实无华。一般都比较生活化、口语化，即使是带有诗情画意、意蕴较深的歌曲，也都从歌曲的总体氛围上来刻画、追求。而歌词的本身也尽量做到口语化、生活化，因而很注意歌词的语言性。许多优秀的通俗歌曲表达意境与氛围十分浓郁，其歌词十分通俗易懂，不刻意雕琢。如《弯弯的月亮》歌词：“遥远的夜空有一个弯弯的月亮，弯弯的月亮下面，是那弯弯的小桥”。这首歌的歌词是公认的文学品位颇高的上乘之作。歌词咬字、吐字亲切自然、强调语气上的感染力。它可说是诗化了语言，口语的表达方式。歌词逻辑重音、感情重音、句与句之间的衔接与停顿，语气的鲜明与准确以及连贯性与整体性，都是通过语言特征的把握来予以表现。

（四）演唱风格的不同：民族声乐艺术不仅是一门听觉艺术，而且还是一门表演艺术。一首优秀的歌曲在优美的旋律和感人的基础上，必须经过歌唱者的演唱，才能让听众了解它，接受它，欣赏它。也就是说，必须经过演唱者的二度创作才能准确、完整地表达作品的所有内容，这也是表演艺术的本质。当然，表演艺术因时代、民族、地区、人物、风土习俗、精神面貌和表现形式的不同，风格上也表现出多样化。民族唱法要求演唱和处理要达到字正腔圆、声情并茂、情景交融的艺术境界，以戏曲、曲艺、表演体系为主体并吸收其他艺术种类表演经验，并根据民族声乐在表演方面的自身原则要求及手段加以创新发展，从而形成了“唱作”一体和韵律统一的独特表演艺术风格。在民族唱法中“唱作”一体主要从三方面把握：其一从外部形体看，虽然表演（做）的幅度要比戏曲中的“做” 要小得多（歌剧表演另论），但是歌唱风格与手、眼、身、法、步风格的基本统一仍然很重要。如在民歌唱法中眼神、手指、身段、站法都具有民族特色，在女声表现中尤为明显。其二是亦歌亦舞的表演唱。有些地方色彩较浓的曲目，要歌舞一体。其三也是更重要的，即表演心理活动：“不做而做”“不表而表”的心理表演感觉，虽然形体上并未把动作做出来或做完全，但在心理上必须到位。这种心理表演感觉是歌唱者欲表不露、外静内动、含情内蓄，具有丰富的审美内涵。同时这种心理感觉不但影响形体感觉，而且也影响歌唱心理，是歌手欲放还收，欲扬还抑，在一种统一的审美要求中把“歌声”和“形体”融为一体，形成了民族唱法的表演风格特点。而通俗唱法则要求除音准、节奏、吐字清晰外，常运用声音或形体的动作强化来达到情感的表现，往往借助夸张的表演，电声乐器的强力伴奏把这种夸张表演形式推向高潮。其表演形式多姿多彩，没什么规定性或约束，往往歌手是根据歌曲的内容及个人喜爱而采取某种表演形式。第一种以歌唱型为主的表演风格，即以唱为主，着重对歌曲内容及情感本身的体现，歌唱型的表演对声音基本功及演唱表现方面要求比较高。第二种自弹自唱是通俗唱法常用的一种形式，并已形成多种风格，个人弹奏与集体演奏皆有之。演唱者要求熟悉自弹乐器的演奏技巧，包括调弦定调及指法的掌握运用。在表演中，歌唱与弹奏衔接自然，相得益彰，各自展示其长处，歌唱时弹奏为辅，歌停时，弹奏强化，以达到互为补充，和谐完美的表演效果。

在通俗唱法的形成和发展中，我们要吸取借鉴民族唱法的科学、规范的发声方法，以规范通俗唱法在用声方面的欠缺，民族声乐教育家金铁霖教授曾讲过：“在掌握了科学发声方法的同时，就要结合民族声乐的个性，去引导和训练。”同样在两种不同的唱法中，我们要互相取长补短。

综上所述，民族唱法与通俗有共同之处，也有不同之处，既有区别又有联系。我们在学习两种唱法的过程中，一定要掌握好两者的关系及他们的共性和个性，区别在演唱中的风格特点。演唱者在演唱这两类声乐作品时，应该从各个方面进行研究、分析，并从各自的不同特征入手，掌握它们的演唱风格，才能使声乐作品演唱有针对性、有目的性，准确合理地进行。总之，无论哪种唱法都应积极健康向上，通俗易懂，在建设社会主义精神文明中发挥作用。

声乐心得

在没有接触声乐这门课之前，我所认识到的音乐差不多只有通俗的流行歌曲，对民族和美声唱法都根本上没有关注过，心理上也比较排斥。现在，接触声乐基础这门艺术课也有一年多时间了，尽管只是了解了一些声乐方面很基本的知识，但我对声乐，对歌唱的艺术方面的认识已从心底发生了变化。当那些热情优美的旋律和歌词流动在我耳边的时候，总觉得音乐是是另一种语言，一种让人足以感受生活的美好，一种让人体味革命年代的艰辛与滂湃的热情，一种感动于青春的飞扬，一种充满童真童趣的语言。

声乐是指用人声演唱的音乐形式。声乐包括：美声唱法民族唱法和通俗唱法，现在中国又出现了原生态唱法。而通常声乐指美声唱法。从大一开始学习视唱练耳，到练习气息发音，老师也要求我们学习美声唱法。美声唱法是产生于17世纪意大利的一种演唱风格。美声区别于其他唱法的最主要的特点，用一句话来概括就是美声唱法是混合声区唱法。美声唱法从声音来说，是真声假声都用，是真假声按音高比例的需要混合着用的。从共鸣来说，是把歌唱所能用的共鸣腔体都调动起来。这种唱法本身有他自己特有的“味道”，特有的音响特色。上课的时候老师强调我们用气息唱歌，注意发音的位置，注意气息的畅通，因此我们对发声的练习有了基本的了解，也有待于更大程度上的加强。

通过学习，我认为在声乐学习方面要注意歌唱的姿势，歌唱时的呼吸，发声练习，咬字吐字，歌唱的情感这五个方面的内容。第一，正确的唱歌姿势，不仅是歌唱者良好的心态的表现，而且还关系到气息的运用，共鸣的调节以及歌唱的效果，在训练时，我们应养成良好的演唱习惯，做到两眼平视有神，下颌内收，颈直不紧张，脊柱挺直，小腹微收，腰部稳定。第二，唱歌中的呼吸，首先是吸气，在做呼吸练习时，先做好正确的演唱姿势，保持腰挺直，胸肩松宽，头自如，眼望远处，从内心到面的表情都充满情意，然后，“痛快地叹一口气”使胸部放松，吸气时，口腔稍打开，硬软腭提起，并与提眉动作配合，很兴奋地以后腰为主，将腰围向外松张，让气自然地，流畅地“流进”使腰、后背都有“气感”，使胸部自然有宽阔的感觉，但呼气时不准过深，否则使胸、腹部僵硬，影响发声的灵活和音高的准确，吸气时不要有声响，反之不仅影响歌唱的艺术效果，还会使吸气不易深沉，影响气息的支持，所以，在日常生活中要养成两肋扩张，小腹微收的习惯。第三，发声练习是歌唱发声的一种综合性基本技能的训练，学习唱歌必须以最基本的发声练习开始。练习时应做获得气息支点的练习，体会吸与声的配合，利用科学的哼唱方法，体会并调节自己的歌唱共鸣。学会张开嘴巴唱歌，上下齿松开，有下巴松松的“掉下来的感觉”舌尖松松地抵下牙。还要注意气息通畅的配合，发出圆润通畅自如的声音。第四，要注意咬字、吐字准确、清晰。发音练习的目的，归根到底是为了更完善地演唱歌曲，所以必须要注意咬字、吐字的清晰，正确地掌握语言的回声，明确汉字语言的结构规律，将歌曲曲调与咬字吐字结合起来练习。练唱时，将每个字按照出声引长归韵的咬字方法，先念几遍，再结合发声练习，以字带声，力求做到字正腔圆，声情并茂，演唱时发元音的着力点，应尽量接近声区的集中点，使三个声区的共鸣得到衔接和灵活调整。第五，还要注意歌唱时情感的投入。不同的歌曲有不同的故事，在唱歌之前应对应对歌曲的思想内容、表现手法以及词曲作者、歌曲的时代背景，有个全面的了解和分析掌握作曲家的情感，和歌词的内涵，歌唱时将自己的声乐和肢体语言相结合，展现自己的情感。

在唱歌时我会出现气息不足，表情僵硬，会紧张等的问题，针对这些，我觉得我在以后的练习过程中因注意掌握唱歌的要领，珍惜每一次上课的机会，更重要的是要多练习。因为歌唱是一门技术性和实践性很强的学科，仅凭声乐理论和教学方面的文字资料去进行歌唱发声方面的学习和训练是非常困难的。学习歌唱时，特别是像我们在初学阶段，应按照老师的方法练习，并把自己练习中的体会、困难、收获、感觉等如实地告诉老师，以便于老师根据你的个人特点，教给学生准确度高、收效快的练习方法。总的来说学习时应注意多用脑子，少用嗓子。因为勤学、苦练、多动脑是学好声乐的关键。学习声乐时要在老师面授时认真学习、思考、体会，并作好笔记。声乐学习笔记是反映学习声乐进程的一面镜子，应记叙每个阶段采用的发声练习、歌曲教材、教师要求、练习效果、主要问题及纠正方法等。课后，要坚持每天按老师的要求练习，这是能否学好声乐的关键，只靠在面授时练习一下的人是不会有长进的。

时间匆匆流过，大学生活也已经差不多过去了一半，回想起来，要学习声乐基础这门课，带给我的首先是惊喜，因为我会习惯性的听一些自己喜欢的歌曲，并且会很享受于听音乐的时光。上了声乐课才发现，学习声乐对于我来说真的是一个不小的挑战，因为此声乐真的不同于我所听的彼歌曲，有时会不懂老师所说的发声还有气息方面的要求，会觉得自己老是做不对做不好。站在老师和同学们面前唱歌也会习惯性的紧张，会忘了刚刚练习的发声和气息方面的要求。但能够学习自己感兴趣的知识是一件很快乐的事，会让自己平淡的生活多一些不一样的色彩，尤其是以前没有接触过的艺术课，一直很向往的艺术课，所以我觉得我更应好好把握学习声乐的机会。另一方面，学校也为我们提供了学习声乐的条件，因为去琴房多练习，钢琴和声乐都会有提高，尽管可供练习的时间比较短。

生活中有许多都需要我们持之以恒的事物，声乐学习更需要坚持每天都练习，就像老师说的，每天坚持练习，就算是五分钟时间，一段时间以后，至少是在大四毕业的时候我们会发现我们在唱歌方面会有很大提高。总之，只有坚持多练习，注意体会唱歌的技巧，我才能克服自己在声乐学习方面的困难，一步一个脚印的慢慢进步，并在这一过程中感受声乐学习的乐趣。相信当我自己可以唱出不一样的声律时，内心一定会有很大的惊喜。

声乐心得

经过两学期的二胡教学，不仅使我感到了在教学中经验的日益丰富，更加深刻的体会还是对教育中的问题的发现与总结。

二胡教学是一个由浅入深，由易到难的教学过程，在教学过程中技巧以及拉琴基本知识是主要教学内容，但我发现，教学方法的得当与否，直接影响着学习的兴趣和进步的速度。在初期教学中，我采用一种鼓励教学，即使学生这周并没有练琴，也采取婉言提醒，这样一来，人性化课堂体现了出来，但对学生学习劲头却无丝毫的帮助。后来换了一种方式，也就是“自尊心比赛”。每个人都是有自尊心的，说白了就是爱面子，孩子也不例外，都希望在班级里表现，同时受到赞扬。我的职责中最重要的部分为作业检查，检查的方式就是每一个学生进行台前展示，面对所有小朋友和家长。这样一来，孩子不仅为了自尊心主动练琴，而且还会积累孩子的舞台经验，为日后的上台表演打下很坚实的基础。我采用“集中授课，单独辅导”的上课模式与趣味互动教学的方法相结合，使孩子更容易掌握二胡的演奏技巧，还能掌握丰富的音乐基础知识，全方位提高孩子的音乐专业技能，从而达到较好的学习效果。

初级班：授课对象：零基础。从对二胡的一无所知，到对二胡各部分构造的熟悉；从对两根琴弦的迷茫到对d调1，2，3，4，5，6各音位置的掌握；从单调无味的单音到曲调优美的《小星星》，孩子们开始进入了一个美妙有趣的二胡之旅。本学期初级班的孩子们更是步上了一个新的台阶，他们认真的一遍遍练习，不懂就问，还向拉的好的同学请教，看着他们热火朝天的学习场面使我很是感动。中级班：授课对象：以经掌握二胡演奏基本方法。本学期，他们练习了许多二胡儿童曲目，不仅在演奏技巧上有所提高，并且增加了技能，陶冶了情操。教学是一项复杂而严谨的工作，在教学中应多发现问题并找到解决问题的方法，从而使自己的教学更贴近于学生、家长。做到真正的人性化课堂。这是我在教学上确定的，同时会不断确定新的目标，以便可以加快我在教师这一行业中的成长，让孩子们更快更多的学到知识。在家长公认的好老师－康伟伟老师的精心配合下，我想我校的孩子们一定会取得更大的进步！

声乐的发声技巧

在声乐艺术中，发声技巧是很重要的，但到底如何去发声呢?下面就和小编一起来看看吧!

如果提出声乐艺术方面这样一个问题：这是怎样做到的?那就需要考虑到，如何才能用最简短的语言来说明在声乐艺术中声音的构成和运用原理，因为在这方面有许许多多不同的观点，多得简直使人不知从何说起。

最普遍的意见是每个大歌唱家都有一套帮助他获得荣誉的、非常明确的方法。但是如果你随便请哪一位歌唱家谈谈自己的方法，有人会觉得困难，有人甚至否认自己有一套特别的方法，因为歌唱时所用的器官是非常细致而且各个不同的。大多数歌唱者，或者更确切地说，所有的歌唱者都是不自觉地或习惯地做某些东西的，做得这样地不知不觉，就连他们自己也说不出是怎样做出来的和为什么这样做，但这些'艺术家'的特点还是有它逻辑上的原因。它们之所以成为某个歌唱者的习惯，是由于它们适合于这个歌唱者的个性，因此也就是这些特点保证了这位歌唱者的高度成就。歌唱者通过练习和积累经验逐渐知道舌头和喉头在怎样的位置上才能把某一个音发得更好。歌唱者并不是通过理论或计算才知道这些，而是通过反复的试验得知的。但是这些知识也许只对他一个人有用;别人也可能唱出同样漂亮的声音，但用的是完全另一种方法。

因此可以大胆地说，有多少个学唱者就有多少种方法，同时，这些方法中的任何一种(即使用得再正确不过)也可能对其它任何人都是不适用的。假如有人想问我这样的问题，那我就要这样回答：即使我事实上是有一套特别的唱法，它或许也只适合于我一个人。

一般说来，关于嗓音这问题可以讲出许多有趣的和有价值的东西。很多年轻的女歌唱者总是为了不知道自己是个女高音还是次女高音或是女低音而苦恼。当然，要分辨出'真正的'男高音和很低的男低音是非常容易的，然而要辨明高男中音和戏剧性男高音之间的差别就不是那么简单的事了。很多年轻人在学习过程中感到非常苦恼，因为他们以为自己是男高音。经常唱对他们说来是音域过高的乐曲，而实际上他们却是男中音。

在教学中时常会发生这样的情况：学生的音域被大大地扩展，声音起剧烈变化，男中音变成了男高音。千万不要勉强扩大应用音域或强行改变嗓音的天生特性。如果天生音域宽的话，嗓音经过适当的发展之后，音域就能往上或往下扩展，但是硬性扩展是永远也达不到这样的结果的。把声音向上或向下硬逼是最容易不过的事，然而，这样硬逼时如果相应地失去了另一方向的声音，那可怎么办呢?如果一个男中音硬要扩展自己的高声区，那末。他必然会逐渐失去低音。如果男高音想要硬挤出几个不在他能力范围之内的低音，那末，他永远也不能把正常的男高音角色唱得很好，而且过了两三年之后，他根本不能再唱了。

人们一般把发声理解为喉头与舌头的位置。以及嗓音的特征。许多歌唱者都有一种最坏的缺点，就是发出喉音或过于靠后的声音。即使体质强壮、最结实的发声器官也经受不住这种声音。这就是许多演员很快就离开舞台或者被迫安于默默无闻的地位的原因。一个歌唱者如果会正确地运用发声方法，那末，四十五岁时应该是他的全盛时时期，并且他可以保持饱满的声音至少到五十岁。到了这个年龄，或者更大一些，就可以准备结束自己的演唱生涯了。一个还具有充沛精力的大艺术家千万不能让观众先觉察出他的能力正在逐渐衰退。为了要求得正确的、固定的发声方法，一必须设法有意识地把咽部打开。不要以为把嘴张得很大就等于打开了咽部。只要稍微懂得一点声乐的人，单靠呼吸就能打开咽部，用不着把嘴明显地张开。但是要正确地打开咽部，必须很自然地张开嘴和放下下巴。当然，在唱高音时必须把嘴张得大一些，但一般说来，它应当保持近似微笑的形状。经常在镜子前练习打开咽邵，并且设法看到口盖，就象让医生检查喉咙时那样，是有好处的。大声发a音时应该感到这个音是在咽的后部形成的，但要注意到在发这个元音之前，咽部必须已经很好地打开。

可以把横隔膜的功能比做风箱，它执行着风箱的任务。声乐的全部艺术就在于善于吸足气和善于正确而节省地使用这些气。歌唱者无论有多么好的听觉和愿望，如果他不会控制气息，那他就唱不准音，或是发出毫无生气的、可怜的声音。所以，当学生懂得了什么是呼吸的艺术之后，他就踏上了走向目的地的正确道路。

用鼻子呼吸可以改进深呼吸的技巧;也可以防止过快地消耗吸进的气。此外，鼻子可以过滤空气和使空气变暖，这就比用嘴呼吸更有益了。唱一切练呼吸的练习时都必须注意这一点：肺部在吐气时要尽可能把余气放出来，因为这样可以推动重新吸气，并使肌肉结实。

人的嗓音自然地分为三个声巨：胸声区、中声区和头声区。头声区又称假声区，但男高音可以发出几乎象假声、而事实上是半声(mezzovoce)的声音。半声对于男声说来是合法的。而纯粹的假声却是不允许的。对男高音说来，最重要的是中声区;这个声区包括他嗓音的大部分，如果中声区利用得正确的话，即使在最高的声区中也还可以运用它。唱高音的时候，不要忘记声音的质量和发声的松弛在很大程度上决定于这个高音前面几个音的唱法.

有些歌唱者，主要是男高音，喜欢在唱高音时把头仰得过分地高;这样会产生喉音、压紧的声音。使听者感到很不悦耳。为了避免这点，必须尽可能把气储藏得深一些，使得上呼吸道能够放松。同时必须用全身来感觉声音，否则声音就不会有感情、激动和力量了。有很多歌唱者，尽管他们的嗓音条件很好，也能克服技巧上的种种困难，但是他们唱起来毫无情感，得不到那种能使歌唱家成名的具有魅力的声音，就是因为他们的嗓音不饱满而且缺乏灵感的缘故。

前面已经讲过关于半声唱法的问题了，怎样运用半声唱法是声乐艺术中很重要的一个部分。半声唱法的概念大致可以这样来说明：只用很少的自然嗓音，但有气息的支持。有了正确的气息支点才会使声音具有优美的质量。当然，不能过份地逼紧气息，这样也会影响声音的。因此。半声就好象是饱满的嗓音的集中;半声唱法所需耗费的气息和饱满的嗓音所需的一样多。没有气息支持的音总是微弱无力的。它传不远，甚至在很短的距离内也听不见。相反地，如果最最轻的声音有很深的气息的支持，它就能传得很远，声音动听而且有表现力。

还有一点也很重要。如果轻声是在这位歌唱者的自然声区里发出的，要求唱出一个音上的渐强渐弱时，就不会引起改变喉头位置和声音特点的危险。如果轻声是在对他不适当的声区里发出的，那么遇到必须加强声音的时候，就不得不改变声音的性质和特性了。

应当把嗓音方面的'许多毛病特别提一下：它们是'白声'、'喉音'、'鼻音'和'羊咩声'。鼻音最难纠正，有些教师，特别是法国教师，为了要使声音有共鸣，认为声音应当全部往鼻腔里送。事实上只有用自然的方法才能获得很好的共鸣，用别的方法只会妨碍共鸣。呼吸当然要通过鼻子。但是唱时千万不要把嗓音从鼻孔里送出。

'白声'(vocebianca)就是没有气息支点的头声，是无光采的声音，因此叫做白声。要改掉这个缺点可以闭着嘴唱练习，同时要注意用鼻子来吸气，并要感到有很深的支点。如果唱歌时咽部开得不够大就会产生喉音。

至于说到鼻音，要改正这个缺点最困难。有些人就一辈子没有改掉，唯一的改正方法是把咽部打开，把声音从小腹往软口盖送;假如声音仍从鼻子里出来，那就是说声音的形成太靠前了，这与唱歌的基本规律相违。如果学生有鼻音的习惯。可以让他只用元音来练习a、e、i或la、le、li等，这样能帮助他克服这种带有危害性的习惯。但是谁要是早已花功夫掌握正确的呼吸方法的话，他当然能够避免所有这些缺点。

'羊咩声'是由于强逼嗓音而造成的。有许多歌唱者的嗓音只适宜唱轻歌剧，但却经常在大歌剧中演唱。听这样的演唱是不会给人带来任何愉快的。毫无疑问，这些歌唱家很快就会毁掉自己的嗓音。他们常闹喉咙痛，这是不足为奇的，因为发声器官不能经常处于过度紧张的状态中。谁要是想长久地保持新鲜的嗓音，那他就绝对不能够越过自己嗓音的能力限度。只有一种方法可以纠正'羊咩声'，就是根本停止歌唱，等到有可能重新回到自己的专业时，再求助于'闭口唱法。

这个方法对改正某些嗓音缺点常常是很有用的，但对于另一些嗓音却可能带来危害。一切都决定于嘴和咽部的结构。例如某人是为了咽部压紧而感到苦恼，那他就千万不要闭口唱。而对于那些声音过于开放的人来说，闭口唱法是一种练呼吸的极好的预备练习。

闭口唱法对嗓音的灵活性很有好处。许多歌唱家每天都要闭口练唱。闭口唱法使嗓音增加灵活性，而又使声带得到休息。有些由于过度疲劳而毁坏了的嗓音是通过这种方法而恢复正常的。在这里提一下s孚契托所叙述的卡鲁索的呼吸方法很有意思：卡鲁索站着唱时，身体完全放松，一只脚放在前面，好像要向前迈步一般。重要的是他的身体非常放松，一点也不紧张。然后他也不露痕迹地使腹部肌肉松弛，平静地吸气。由于这样深而慢的呼吸，横隔膜放下了，腹壁和肋骨扩张开来，胸廓也就抬起。卡鲁索总是要求歌唱者以上所说的准备时刻，首先注意横隔膜，他着重指出，如果能做到这一步的话，就可以获得主要的因素来保证发出强声或轻声时肺中有托住的气压(那查连科译自德文)。然而根据现有的唱片听来，卡鲁索本人有时也用纯粹的假声(例如在选自戈尔德马克(goldmark)的歌剧《萨巴的女王》(diekoniginvonsaba)的咏叹调中)

教声乐的心得体会

声乐是一门古老而又优美的艺术，它能够将人们感性的情感和理性的思想转化为音乐，震撼人心。作为一名从事声乐教学的教师，我在多年的教学实践中积累了一些心得体会，今天我将与大家分享。

第二段：立足实践。

教师的工作是要立足实践，因为声乐教学是一门实践性很强的学科，它需要教师具有很高的实践能力和经验，才能帮助学生更好地掌握技能。在日常教学中，我注重学生的实际操作和表现，尽量强化实践操作，让学生通过多次训练，习得良好的唱歌技能。

第三段：“平民化”教学。

随着时代的进步，教学也应当跟进变化，现在的学生更需要“平民化”教学，即不仅要注重学科理论的教学，更要注意注重生活中的实用技能，这能够加深学生的认识和理解。在日常教学中，我注重与学生沟通，尽可能让教学内容更接近学生的生活和实际需求，让他们能够快乐地学习唱歌。

第四段：重视个性差异。

每个人的音乐感知和唱歌效果都会存在差异，这正常的情况并且不可避免。因此，在教育教学时，除了注重整体性和规范性，更应注意尊重和关注个人的差异性。因为每个人都有自己独特的声音和风格，教师应该从中发掘和尊重学生的个性化需求和文化背景，让学生在理性、个性、情感上均得到了发挥。

第五段：追求高质量。

教学只有真正化解了自身的问题，在教育上才可真正追求高质量。因此，花时间、投入资金和心力来追求高质量教育，让学生在每个阶段都得到了全面提升和提升，这是一种高质量的声乐教学方式。在实践中，我会尽全力做到专精、专业和个性独特的声乐教学方式，使每个学生获得最大效益。

总结语。

声乐教学是一门很有特色的教学模式，它需要教师具备一定的能力和经验，让学生更好地掌握技能，学会表现自我。在声乐教学中，教师尽可能注重实践、平民化、个性化、高质量的教学方式，这为学生的学习和发展提供了极大的帮助。只有让学生得到真正意义上的提升和成长，才是教育和教学的真正意义。

声乐的演唱技巧

歌唱是一门艺术，要想提高儿童表现歌曲的能力，应给予他们唱歌技巧的训练，训练的内容包括：唱歌的姿势、呼吸、发声和咬字等各方面的要求。你知道声乐的演唱技巧有哪些吗?下面是小编为大家带来的声乐的演唱技巧的知识，欢迎阅读。

正确的唱歌姿势，不仅是歌唱者良好的心态的表现，而且还关系到气息的运用，共鸣的调节以及歌唱的效果，在训练时，应让学生养成良好的演唱习惯，做到两眼平视有神，下颌内收，颈直不紧张，脊柱挺直，小腹微收，腰部稳定。

首先是吸气，在做呼吸练习时，先做好正确的演唱姿势，保持腰挺直，胸肩松宽，头自如，眼望远处，从内心到面的表情都充满情意，然后，“痛快地叹一口气”使胸部放松，吸气时，口腔稍打开，硬软腭提起，并与提眉动作配合，很兴奋地以后腰为主，将腰围向外松张，让气自然地，流畅地“流进”使腰、后背都有“气感”，胸部也就自然有了宽阔的感觉，比如用“打呵欠”去感觉以上动作。

但呼气时不准过深，否则使胸、腹部僵硬，影响发声的灵活和音高的准确，吸气时不要有声响，反之不仅影响歌唱的艺术效果，还会使吸气不易深沉，影响气息的支持，所以，在日常生活中要养成两肋扩张，小腹微收的习惯。

1、做获得气息支点的练习，体会吸与声的配合，利用科学的哼唱方法，体会并调节自己的歌唱共鸣。

2、学会张开嘴巴唱歌，上下齿松开，有下巴松松的“掉下来的感觉”舌尖松松地抵下牙。

3、唱八度音程时，从低到高，母音不断裂连起来唱，口咽腔同时从小到大张开。

4、气息通畅的配合，发出圆润通畅自如的声音。

发音练习的.目的，归根到底是为了更完善地演唱歌曲，所以必须要注意咬字、吐字的清晰，正确地掌握语言的回声，明确汉字语言的结构规律，将歌曲曲调与咬字吐字结合起来练习。练唱时，将每个字按照出声引长归韵的咬字方法，先念几遍，再结合发声练习，以字带声，力求做到字正腔圆，声情并茂，演唱时发元音的着力点，应尽量接近声区的集中点，使三个声区的共鸣得到衔接和灵活调整。

歌唱艺术是声音与文学相结合的艺术，我们唱好歌曲，不能只讲声音，不讲感情，反之也不行，我们应对歌曲的思想内容、表现手法以及词曲作者、歌曲的时代背景，有个全面的了解和分析，再进行适当的处理，把歌曲的艺术形象准确完整地再现出来，达到以情带声，声情并茂。